Música de tango

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VIOLISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1899-1980)

Siguiendo la estela de innovadores como Roberto Firpo y Eduardo Arolas, el violinista Julio De Caro estableció un estilo en la segunda década del siglo XX que ampliaría el alcance del tango. Esto, como ningún otro, le dio un impulso al tango, Julio introdujo el arreglo en el tango. Con Carlos Gardel en el campo vocal y Julio De Caro en el instrumental, se impulsaron dos apuestas y una habla del antes y el después.

De Caro mantuvo la esencia del tango de barrio, valiente y lúdico, pero la mezcló con una expresividad sentimental y melancólica. Su formación académica le permitió plasmar su mensaje en un pulido lenguaje musical de indescriptible seducción.

Sus grabaciones de sexteto, a veces perezosas, a veces claras, nos traen los sonidos de las acuarelas de Buenos Aires con casas bajas, fachadas grises, calles con árboles, jardines floridos, adoquines y tranvías viejos. El concepto se puede escuchar claramente en Boedo y Tierra querida, dos de sus tangos.

Su hermano Francisco, el pianista, contribuyó mucho al sexteto como compositor de tangos lírico-románticos como Flores negras y Loca bohemia. Como novedad para la época, el grupo alternaba con facilidad entre la pasión de los tangos de Francisco y las pinturas de paisajes y personajes urbanos de Julio.

Julio nació en Buenos Aires en una casona de la calle Piedad del barrio de Balvanera, el segundo de doce hijos en una familia de ascendencia italiana. Su padre, ex director del Teatro della’Scala de Milán, decidió que Julio tocaría el piano y Francisco el violín, pero cambiaron de instrumento y se dedicaron al tango. Esto provocó una ruptura familiar que nunca se resolvió.

En 1923 integró el sexteto de Cobián (Nostalgias). Con la partida de Cobián a Estados Unidos, De Caro formó su sexteto con, entre otros, el ahora famoso bandoneonista Pedro Maffia. Gracias al esfuerzo de un violinista más famoso por su concepción que por su técnica, el tango entró en una nueva era.

Grabó sus primeros discos para Víctor en 1924, como Todo corazón. En la década de 1930 siguieron otras 420 obras. En 1933, De Caro entró en una fase de experimentación con orquestas con amplificadores y nuevos timbres (vientos, percusión), pero que finalmente oscureció los contornos del mensaje.

Felizmente volvió a sus propias fuentes, pero cayó en el anacronismo. Hasta su retiro fue el guardián de las ‘joyas del tango’

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ORQUESTA DE -VICTOR TALKING MACHINES- (1925-1944)

En los primeros años del siglo XX, las discográficas grababan música de todo el mundo, incluida Buenos Aires. Para vender las máquinas parlantes (gramófonos), fue necesario construir cilindros. La Victor Talking Machines Company fue una de ellas, que fue comprada por RCA (Radio Corporation of America) en 1929. El perro mirando el fonógrafo es su famoso logo.

A partir de la década de 1920, las orquestas de tango se formaban únicamente con el fin de realizar grabaciones y estaban formadas por músicos de orquestas afiliadas al mismo sello. Estas orquestas reunidas temporalmente nunca han actuado en público.

Se añadió como cantante un corista que trabajaba para el sello. También era la época en la que hacían su aparición los cantantes, pero entonces sólo se cantaba el coro.

Los directores de orquesta de la Orquesta Típica Víctor fueron:

Luis Petrucelli 1925-1931

Adolfo Carabelli 1931-1935

Federico Scorticati 1936-1941

Mario Maurano 1940-1944.

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Las primeras grabaciones, del período 1900-1910, estaban limitadas por una tecnología deficiente, de modo que el sonido sólo podía grabarse en el rango de 160 a 2000 hercios, mientras que el oído humano podía manejar entre 20 y 20 000 hercios.

Por lo tanto, los músicos tuvieron que ajustar su forma de tocar a los medios. La voz también tenía que sonar aguda, dura y clara para lograr que algo encajara en los ritmos.

Los cilindros se hacían tocando/cantando con cuernos grandes, al revés de tocar.

Las vibraciones de los instrumentos de cuerda, incluidos el contrabajo y el piano, produjeron un sonido apagado y turbio. Por eso a menudo se eligió el sonido claro y metálico del cobre. Por eso existen muchas grabaciones de bandas de música. La duración también tuvo que limitarse a unos pocos minutos.

Casa Tagini, una tienda en la esquina de la calle Perú y Avenida de Mayo (Buenos Aires) afirmó en 1905 que sus gramófonos habían reemplazado mil veces a los músicos en las fiestas de baile. Hay un dibujo que muestra a un DJ en acción con su gramófono en un establo de caballos reformado con parejas de baile (se puede ver el caballo). Pero también se tocaba música en una sala donde a los hombres les lustraban los zapatos, a menudo por una mujer. Había música por todas partes.

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Afortunadamente, a partir de 1926 llegó el disco plano con su grabación eléctrica y su mejor calidad, también se podían grabar más de dos minutos. Disfruta de algunos ejemplos de la Orquesta Típica Víctor entre finales de los años 20 y principios de los 40.

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BANDONEONISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1897-1984)

Osvaldo nació de padres adinerados, pero vivía en un barrio sencillo. A los diez años empezó a tocar el bandoneón. Su carrera tanguera fue larga, más de 1250 grabaciones en 63 años.

A los 16 años empezó en un trío. Poco después tocó con Arolas y Firpo. Importante para el desarrollo de las orquestas de tango en la década de 1920 fue la colaboración con el pianista Juan Cobián (conocido por Los Mareados y Nostalgias).

Sus orígenes ricos parecían haber influido en su música: el gusto refinado, las notas encuadernadas, los matices suaves y los solos de piano imaginativos estaban hechos a medida para los oídos de la “clase alta”, pero siempre llevaban el mensaje de los barrios bajos.

A los 21 años formó su primer grupo con el violinista Julio de Caro, entre otros. Convertido en sexteto, cambiaría completamente el tango. En 1921 grabó cincuenta temas con un sexteto en Estados Unidos en el sello Victor.

En 1927 su éxito fue tan grande que mantuvo en funcionamiento cinco orquestas, donde tenía que estar en todas partes. Tres de esas orquestas fueron dirigidas por Carlos Di Sarli, Julio de Caro y Miguel Caló, quienes luego fundarían sus propias orquestas por las que se hicieron famosos.

Fresedo no tuvo miedo de aportar nuevos timbres a la orquesta, como el arpa y el vibráfono y un modesto uso de la batería.

Seleccionó cuidadosamente a cantantes que coincidieran con el refinamiento de la orquesta, como Roberto Ray, Ricardo Ruiz y Oscar Serpa.

Como compositor, Fresedo fue productivo y exitoso, pero en general superficial. Su tango más famoso, entre otros, es Vida Mía.

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VIOLINISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1888-1964)

Uruguayo de nacimiento, su familia se mudó a temprana edad a Buenos Aires, donde terminaron en un cuartel residencial. Vivían en circunstancias extremadamente pobres y él ya era repartidor de periódicos antes de los diez años.

Se sintió atraído por la música y quedó hipnotizado por el violín. Hizo su ‘Stradivarius’ con una lata de aceite y un diapasón de madera y empezó a ganar algo de dinero en las salas de baile.

No estudió, pero encontró el camino hacia la música. Desde los veinte años Francisco empezó a tocar tangos en los cafés. Su nombre se hizo más conocido.

En 1912 inició su trascendente labor como compositor.

Se incorporó a los lugares en los que jugó sin interponerse en el camino de otras estrellas.

Canaro presentó el contrabajo y el cantante (corista). Realizó una gira por Europa durante dos años en la década de 1920. Tras su regreso se fue de gira y se hizo famoso, lo que le vino muy bien cuando la radio se puso de moda. Otros músicos mejoraron y desarrollaron un estilo personal, pero el nombre Canaro era conocido por todos.

Ha unido a sus colegas porque lucha por los derechos del compositor desde 1918. Esto se logró en 1935 con la fundación de SADAIC (Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música).

Se estima que se capturaron alrededor de 5.000 imágenes de él. Realmente una cifra récord.

Murió de una extraña afección ósea.

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PIANISTA, COMPOSITOR, LÍDER DE ORQUESTA (1884-1969)

Como director de orquesta, intérprete y compositor, Roberto Firpo fue uno de los primeros en desarrollar el tango. Tenía grandes conocimientos musicales, incorporó el piano al conjunto de tango y se mantuvo fiel al tango tradicional. Tenía un estilo de ejecución pulido e incorporó al tango la melodía romántica, hasta entonces extraña para esta música, dirigida a bailarines.

Siendo adolescente se fue a Buenos Aires para ampliar sus horizontes. Compró un piano con el dinero que ganó y comenzó a tomar lecciones a los 19 años. Cuatro años después ya componía y debutaba en un trío que tocaba en el famoso Lo de Hansen. En este local de diversión se bailaba tango en la trastienda.

En 1913 formó su primer grupo e interpretó éxitos (aún populares), como Alma de Bohemio, sin duda su obra más famosa, y donde la melodía romántica se expresaba plenamente.

También compuso numerosos valses. En 1916 tocó por primera vez, en Montevideo, el tango de todos los tangos, La Cumparsita (de Matos Rodríguez). Firpo tocó en todos los lugares importantes, con orquestas pequeñas y grandes. Le trajo fama y dinero.

En 1930 dejó el tango y continuó como ganadero. Debido a contratiempos con su ganado y en la bolsa de valores, unos años más tarde volvió a montar su orquesta y empezó de nuevo.

La carrera de Firpo fue larga. Su discografía es amplia con alrededor de 300 grabaciones.

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VIOLISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1893-1950)

Su cuerpo grande y fuerte, su cabeza calva, sus cejas pobladas, sus grandes manos con dedos gruesos, que sostenían permanentemente una fina boquilla, parecían en gran contraste con su refinada espiritualidad y su bondadoso corazón.

Provenía de una familia de músicos. Francisco recibió lecciones de su madre y pasó una corta temporada en el conservatorio. Aprendió a tocar el piano y continuó practicando. A los trece años compuso una composición de tango y la cálida respuesta lo animó. Francisco trabajaba en tiendas de música, tocando las piezas que compraban los clientes.

Se dedicó por completo a la música cuando su padre murió y había que ganar dinero. Comenzó a tocar como alumno en la orquesta de su amigo Canaro, a quien le pareció que tocaba bien y tenía buen ritmo.

En 1923 fundó su orquesta. Conocía sus limitaciones técnicas y se comprometió a liderar. Añadió un ritmo de jazz y amplió la formación con trombón, saxofón, trompeta y clarinete.

Las orquestas a menudo se ampliaban debido a las malas condiciones acústicas. Con el cine sonoro las orquestas de tango perdieron un lugar importante.

Su orquesta tenía una personalidad clara, buen tamaño, era de estilo ortodoxo, tenía una musicalidad agradable y era maravillosamente bailable.

Junto a su amigo Canaro, hizo campaña por los derechos de los autores y compositores (lo consiguió en 1935 -SADAIC- y Lomuto se convirtió en el primer presidente).

En 1947 realizó una gira por España. Su última orquesta fue la mejor y la más evolucionada.

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VIOLISTA, LÍDER DE ORQUESTA (1900-1976)

Juan empezó a bailar tango cuando era niño y actuaba a menudo con d’Agostino. El año clave de su carrera es 1935 cuando jugó en el club Chantecler. Ese año se incorporó a la orquesta el pianista Rodolfo Biagi. Volvió a cambiar el 4/8 por el 2/4 de los tangos rápidos, alegres y primitivos. Un año después se estableció.

Estilísticamente, d’Arienzo es lo opuesto a Julio De Caro. En 1938 Biagi dejó la orquesta, pero el estilo se mantuvo.

El baile había pasado a un tema secundario y había dado paso al lirismo y al cante, el arreglo avanzaba. Pero d’Arienzo insufló un viento fresco y juvenil al tango y lo devolvió a los “pies de los bailarines”.

Se convirtió en el Rey del Compas. Aunque despreciado por los amantes del tango, hizo posible el resurgimiento de los dorados años cuarenta.

Según d’Arienzo, el tango es ritmo, coraje, fuerza y ​​carácter; el viejo tango (guardia vieja) tenía todo eso. “No deberíamos perder eso. El declive se debe a los cantantes, la orquesta pasó a ser acompañamiento. La voz no debe ser más que un instrumento extra, la orquesta no debe ser sacrificada. Afortunadamente, el tango ha vuelto a la vida con la vitalidad de sus mejores años. Estoy orgulloso de haber contribuido a esto”.

Justo antes de su muerte dijo que el piano es la base de su orquesta y que el cuarto violín debería sonar como un alto o un violonchelo.

La gente lo recordaba con ternura, con algo de nostalgia y algo de burla.

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PIANISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1903-1960)

Como ningún otro, Carlos Di Sarli supo combinar la cadencia rítmica del tango con la estructura armónica, aparentemente sencilla, pero rica en matices y sutilezas. Se guió por la romántica melodía de Fresedo.

La riqueza de la armonía apenas le interesaba; su fuerza residía en los contrastes entre notas encuadernadas en suave y con puntillo, entre pasajes duros y suaves. Se mantuvo alejado de las falsas contradicciones que existían entre las memorias del tango tradicional y el movimiento de vanguardia.

Era famoso por su ‘izquierda mágica’ con la que ‘canta’ acompañado de su mano derecha. Lideró desde su instrumento.

Hay pocos solos instrumentales en su música, a veces el bandoneón, pero éste generalmente enfatizaba la parte rítmica y bailable de la música. Los violines cantaron delicadamente, en un breve solo o en una contramelodía.

Se fue por unos años, pero en 1938 regresó a pedido con un renovado debut en 1939 para Radio El Mundo. La música era picante, como la mayoría del tango de finales de los años treinta.

La orquesta de Di Sarli disfrutó de un período glorioso, generando una popularidad que duraría hasta su muerte (y más allá). La combinación con el cantante Rufino también fue un tándem dorado.

Carlos Di Sarli fue la última pieza del rompecabezas del tango de los años cuarenta que no hizo concesiones a modos estridentes, ni a excesos rítmicos, y que, por delicado que fuera, representó la personificación de los tangos bailables.
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VIOLISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1897-1963)

A temprana edad, la familia italiana se mudó a Montevideo, donde su padre eventualmente se convirtió en director de una orquesta de cámara.

Edgar empezó a estudiar música a los diez años. Comenzó su carrera en la ópera, con el cuello rígido y una mirada seria, a pesar de que era y sigue siendo un humorista nato, incluso cuando tocaba el violín.

Pero pronto pudo integrarse al grupo del bandoneonista argentino El Negro Quevedo.

Perdió su primera composición ante Los adoquines, pero dos años más tarde triunfó tras su interpretación en un teatro de Buenos Aires.

Poco después compuso A Media Luz, un éxito duradero. “Compuse A Media Luz mientras viajaba en un tranvía”, dijo más tarde el compositor.

En 1927 formó una orquesta con el violinista Roberto Zerrillo, que rápidamente tuvo éxito, fueron llamados los 9 ases del tango: “la orquesta de tango más notable jamás escuchada”. En 1930 la orquesta se desmoronó.

En la orquesta que luego fundó Donato, el fraseo estaba envuelto en una dinámica más amplia; También se dio más espacio a los bandoneones y solos de violín de Edgardo, destacándose también sus famosos pizzicatos.

Su orquesta era una orquesta de baile con pocas aspiraciones de estilo, acorde con su talante alegre y olvidadizo.

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BANDONEONISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1907-1972)

Miguel recibió formación formal como violinista y bandoneonista. El trabajo de Caló se inició en los años 1920, arraigó en los años 1930 y tuvo un éxito insuperable en los años 1940.

Con la orquesta de 1934 se escuchaba un estilo como el de Fresedo y un sonido como el de De Sarli. Con Miguel Nijensohn al piano, la orquesta dejó una huella imborrable en el estilo. Fue el encargado de conectar el fraseo, con el timing y un compás ideal para los bailarines.

La década de 1940 mostró la madurez de Caló, que reunió a un grupo de jóvenes músicos de extraordinaria capacidad. Posteriormente todos formaron su propio grupo.

En esta etapa de su desarrollo desarrolló un estilo que combinaba el tango tradicional con la innovación, con una mayor presencia de los violines, una sección rítmica de bandoneón y un piano espectacular.

De este grupo formaron parte grandes cantantes como Berón, Podestá e Iriarte.

Caló dejó algunas obras exitosas (junto a Osmar Maderna), como: Jamás retornarás y Qué te importa que te llore.

En 1961 reunió parte de la orquesta y, tras un gran éxito en radio El Mundo, lanzó unas 12 nuevas canciones en 1963.

La orquesta de Miguel Caló será recordada como una orquesta de gran interpretación del tango, que sobrevive en el tiempo, y que se caracteriza por sus grandes cualidades artísticas, y por llamar siempre a bailar con las notas de Sans Souci.

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BANDONEONISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1901–1971)

Rodríguez fue un fiel seguidor de los ritmos tradicionales de Donato y d’Arienzo. Fue criticado por los innovadores y elogiado por los bailarines. Su orquesta gozó de gran popularidad en las décadas de 1940 y 1950 en Argentina y el resto de América Latina.

Su estilo supuso un gran avance, ya que tocaba todo tipo de géneros y normalmente con melodías alegres y románticas. Pero cuando tocaba tango se escuchaba el sonido brillante de una orquesta profesional, con arreglos sencillos.

Enrique también tocaba el piano y el violín, escribía con soltura arreglos sencillos y versiones de melodías clásicas y populares de todos los países conservando su esencia.

De ahí el éxito en todo el continente, para deleite de oyentes y bailarines. Sus primeras actuaciones tuvieron lugar en cines junto a un pianista.

En 1926 debutó en el sexteto de Joaquín Mora y luego tocó en la orquesta de Edgardo Donato, donde permaneció brevemente, pero sin embargo fue influenciado, especialmente por la rapidez y brillantez del ritmo.

En 1936 formó su propia orquesta: la orquesta de todos los ritmos. Tenían una gran demanda, porque hacía innecesario contratar otras orquestas de tropical y jazz. El cantante Armando Moreno, parte de la orquesta durante muchos años, dejó huellas imborrables en la historia del tango, incluido el exitoso vals de tango Tengo Mil Novias.

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BANDONEONISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1902-1972)

Pedro Laurenz fue una gran personalidad del tango. Tenía una gran técnica con ambas manos (notas altas y bajas), era magnífico en sonido, poderoso en interpretación e impetuoso en expresión.

Pasó su infancia en Villa Crespo, un barrio donde convivían en coloridos contrastes sociales en conventillos: gente dura y desagradable -compadritos y malevos-, españoles, italianos, judíos, árabes e inmigrantes turcos.

A los 15 años cambió el violín por el bandoneón. En la orquesta de Casanovas tocó con Donato y Zerrillo.

Para él fue importante su ingreso al grupo de Julio de Caro en 1925, lo que luego trajo cambios revolucionarios al tango. Llegó a jugar junto a su ídolo Mafia.

En 1934 formó su propia orquesta y le dio un nuevo impulso estilístico al tango instrumental. Invitó a Pugliese, también innovador, a tocar el piano.

En 1937 grabó Arrabal, considerado como la puerta de entrada a la época dorada del tango en los años cuarenta. La menor popularidad de sus cantantes, excepto Podestá, limitó su éxito.

A partir de 1960, Laurenz formó parte del famoso Quinteto Real, un grupo de grandes solistas como Salgán, que intentaron revivir el tango con una robusta innovación rítmica. Como compositor, Laurenz dejó muchos clásicos como Mala Junta y Orgullo Criollo.

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PIANISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1905-1973)

Durante décadas, Tanturi dirigió una renombrada orquesta cuyo éxito se debió principalmente al fuerte atractivo de sus cantantes. Él mismo no destacó por su destreza musical, y sus piezas instrumentales tampoco son recordadas.

De padres italianos, nació en Buenos Aires y creció en el barrio de Barracas, una zona pobre pero importante, rodeada por el río Riachuelo y su hedor. Comenzando con el violín pasó al piano.

En 1933 formó un sexteto bajo el nombre de Los Indios (en honor a un equipo de polo). Siempre tocó esta canción como canción de apertura, pero desafortunadamente nunca fue grabada.

El punto de inflexión se produjo en 1937 con las grabaciones Tierrita y A La Luz Del Candil.

Su mayor éxito llegó en 1939 con la incorporación de Alberto Castillo, con su tono perfecto, su uso magistral del tono y la mezza voce (formación de tono contenida). Sedujo al público con movimientos pronunciados, una elegancia masculina, un hermoso peinado y ese ambiente a veces íntimo, a veces animado. Todo eso hacía de cada tango un espectáculo.

Tanturi le dejó asumir el protagonismo, al igual que su sucesor Enrique Campos.

No hizo ningún intento de expresar su talento para el canto como su predecesor. Cantó de una manera “indiferente”, tranquila y sencilla. Detrás de él, la orquesta sonaba confiada, precisa y discreta, con absoluta perfección. Estas grabaciones de Tanturi-Campos fueron joyas.

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BANDONEONISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1914-1975)

Desde niño, Aníbal quedaba encantado con el sonido del bandoneón que escuchaba en los cafés de Buenos Aires. Cuando tenía diez años, convenció a su madre para que le comprara uno, lo cual se hizo a plazos. Un año después tocó en los mercados de El Abasto.

En 1937 fundó su propia orquesta. Creó un estilo equilibrado sin comedia y con gusto. Se rodeó de los mejores músicos, seleccionó buenos cantantes, entre ellos Francisco Fiorentino, que cantó con la orquesta durante muchos años.

Las grabaciones con Fiorentino comenzaron en 1941 para el sello Victor. Troilo siguió eligiendo su propio repertorio en este sello.

Troilo fue un compositor inspirador y creó piezas que resistieron la prueba del tiempo, al igual que sus interpretaciones de otros compositores. La interpretación del bandoneonista Ciriaco Ortiz lo influyó sobre todo en sus retrasos y fraseos.

Troilo todavía es considerado por muchos como el mejor bandoneonista de la historia del tango. Unió el sonido aterciopelado, el virtuosismo técnico y el fraseo en su forma de tocar. Jugaba ligeramente encorvado, con los ojos cerrados y la papada colgando hacia abajo. “Se dice que muchas veces estoy muy afectada, que lloro. Si eso es verdad. Pero nunca hago esto por razones triviales”.

Aníbal era un personaje mítico en Buenos Aires. Su apodo era Pichuco. “El 18 de mayo de 1975 se le cayó de las manos el bandoneón”.

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BANDONEONISTA, LÍDER DE ORQUESTA (1905-1974)

Se formó artísticamente en el tango de finales de los años 1920 y posteriormente en sus años de bohemia en Europa. Su orquesta era conocida por la calidad de su sonido y las propiedades oscilantes de su ritmo.

Sus primeras actuaciones fueron con sus hermanos en cines locales. Ganaban un peso al día. En 1927, él y sus hermanos se incorporaron a la orquesta que Cátulo Castillo había formado para ir a Europa. También fueron integrantes Miguel Caló y el cantante Roberto Maida. Permanecieron mucho tiempo en España y actuaron en numerosas ciudades. La gira finalizó en 1930, pero los hermanos Malerba permanecieron en Europa.

A su regreso a Argentina formó una orquesta con Francisco Fiorentino como cantante. Se presentaron en el famoso Cabaret Tabarís y en la emisora ​​de radio La Voz del Aire. A través de las conexiones de su cuñada y cantante Libertad Lamarque, firmó un contrato para tocar en Radio Belgrano, con la condición de tocar un tango rítmico al estilo d’Arienzo. Debutó con su propia orquesta el 1 de marzo de 1938 y permaneció en esa emisora ​​​​por más de veinte años.

Poco a poco fue ganando reconocimiento, tocaba más lento que D’Arienzo, era muy querido por los bailarines y era fácil de escuchar. Los arreglos fueron escritos por el pianista, que también era marido de su cuñada.

Realizó treinta y ocho canciones para el sello Odeón, la mayoría entre 1941 y 1945. De este período destacan: Gitana rusa y Remembranza con Orlando Medina, quien más se identificaba con la orquesta y, por ejemplo, Una copa más con el cantante Antonio Maida.

Ricardo Malerba y su orquesta protagonizaron la película La vida de Carlos Gardel, en la que Hugo del Carril y Delia Garcés protagonizaron el tango Noches de Montmartre. También apareció en la película Cita en la frontera con Libertad Lamarque. Acompañó a la cantante en todas sus actuaciones de esa película.

En 1952 la orquesta viajó a Porto Alegre (Brasil) donde actuaron en los hoteles más lujosos y en la cadena regional de radio y televisión. Posteriormente realizaron una larga gira por Brasil.

Entre sus composiciones destaca Embrujamiento.

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PIANISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1906-1969)

Rodolfo nació en el céntrico barrio de San Telmo. Contra los deseos de sus padres, Rodolfo eligió la música y quiso estudiar violín. Pronto descubrió que su vocación era el piano.

Tenía trece años cuando acompañaba películas mudas en el cine local. Dos años después tuvo la suerte de que el maestro bandoneonista Juan Maglio (Pacho) escuchara a este precoz pianista. Lo invitó a jugar con él.

Rodolfo frecuentaba el cabaret Chantecler donde tocaba su amigo Juan d’Arienzo con su orquesta. En 1935 se le permitió sustituir al pianista, conocido por su falta de puntualidad.

Con su estilo de tocar ‘nervioso’ y rítmico, cambió para siempre el estilo de d’Arienzo en los tres años siguientes.

En 1938 Biagi formó su propia orquesta. Ambas orquestas establecieron la postura tradicional de la interpretación del tango, que resultó particularmente popular entre el público bailador, con un repertorio basado en la recuperación de piezas antiguas adaptadas con su propia expresión musical.

Se puede calificar de logro haber plasmado un estilo con una personalidad inconfundible dentro de una moda musical sencilla.

Rodolfo fue reemplazado durante las transmisiones de radio del domingo para poder ir a las carreras de caballos.

A principios de los años cincuenta, su orquesta fue la primera en aparecer en la incipiente televisión argentina.

Rodolfo fue apodado Manos Brujas (manos encantadoras).

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PIANISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1906-1974)

Una capacidad innata de invención musical y un carácter sensible identificaron el carácter de su obra. Lucio nació en Buenos Aires. Se centró en el piano, su padre era violinista y su hermano Lucas se formó en el bandoneón.

Lucio tocó con varias orquestas y luego formó el trío Irusta-Fugazot-Demare, con el que debutó en Madrid.

Le atrajo el estilo romántico de Cobián, Delfino y De Caro, quienes estuvieron a la vanguardia de este tango formal y melancólico entre 1915 y 1935.

Entre 1926 y 1932, la obra de Demare estuvo compuesta por obras claramente líricas y melódicas, como Telón, Mañana Zarpa un Barco y Solamente Ella, que inspiraron los tangos de los años cuarenta.

Luego de dos largas y exitosas giras por Centro y Sudamérica y una segunda gira europea, finalmente regresó a Buenos Aires. También trabajó en películas y con el trío.

En 1938 formó su propio grupo, incorporándose temporalmente al violinista Elvino Vardaro para Radio Belgrano. Continuó con éxito como director de orquesta. Cantantes destacados de la orquesta fueron Miranda, Raúl Berón y Horacio Quintana.

Lucio también fue un auténtico pianista, con un sonido y un fraseo inconfundibles.

En sus últimos años trabajó como solista en discotecas de Buenos Aires y en su propio local La Tanguería de Lucio.

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PIANISTA, LÍDER DE ORQUESTA (1900-1991)

Ángel proviene de una familia de músicos, su padre y sus tíos eran músicos. En casa había un piano, se convirtió en su juguete.

Estudió en el conservatorio y de pequeño tocó para el público, incluso en un trío infantil en el que también figuraba un vecino, Juan d’Arienzo.

En 1934 formó su propia orquesta de tango con, entre otros, Aníbal Troilo en bandoneón. Las primeras grabaciones datan de 1940 para el sello Víctor, pasando a formar parte de la orquesta el cantante Ángel Vargas.

La orquesta se caracteriza por su buen gusto y sencillez. Desde las primeras notas, los amantes del tango nunca han perdido el respeto y la admiración por este grupo de músicos, del que también formó parte durante muchos años el cantante Ángel Vargas.

Pudo dejar perfectamente claro al público el significado de la canción a través de su forma de expresión.

La orquesta tenía un repertorio refinado, algo nostálgico y distintivo del resto de orquestas.

D’Agostino, él mismo milonguero, ha acompañado a muchos bailarines. A la hora de diseñarlo tuvo en cuenta dos cosas: el respeto por la línea melódica y el énfasis en el ritmo para facilitar el baile.

Cuando el cantante se presentó, la orquesta se estructuró de modo que la música y el canto no interfirieran con el baile. El cantante se convirtió en un instrumento adicional (que sí pasó a primer plano).

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VIOLISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1908-2000)

José nació en el sur de Buenos Aires, aprendió a tocar instrumentos como piano, violín y bandoneón desde temprana edad. En el Conservatorio Nacional estudió violín, a lo que se dedicó con todo su entusiasmo y vehemencia.

Fundó un conservatorio en Lanús. Intentó transmitir a los niños los conocimientos adquiridos. En 1926 formó una orquesta infantil formada por alumnos de su conservatorio. Algunos de ellos se unieron a él más tarde.

Cuando en 1930 varias emisoras de radio de Buenos Aires trasladaron sus estudios a los teatros donde se ofrecían espectáculos variados y atractivos, se inició el declive de los artistas radiofónicos. José García se dio cuenta del éxito pasajero de tales espectáculos y decidió formar una orquesta de tango con muchachos entusiastas.

Para vestir uniformemente a la orquesta, compraron trajes baratos de franela gris. El público recibió calurosamente a este grupo de niños y los llamó ‘los grises’ por el color de los trajes. García añadió ‘zorros’ (zorros), de ahí el nombre de José García y sus Zorros Grises, con el tango Zorro gris de Rafael Tuegols, que se interpretó como introducción, pero nunca fue grabado.

José inicialmente tocaba el violín, pero luego solo dirigió. La orquesta fue disciplinada y bien coordinada. A finales de los años 30 desafió a las mejores orquestas, una época en la que todas esas orquestas se estaban renovando. La orquesta Zorros Grises pertenecía a los grupos rítmicos, de compás bien marcado, pero también tocaba otros estilos alegres y bailables, como corridos, rumbas, boleros, marchas, etc.

Las actuaciones más importantes de la compañía tuvieron lugar en los salones de té y en los bailes de carnaval de los principales clubes deportivos y fueron muy bien recibidas. Siempre ha mantenido el estilo pulido. Luego de su debut en Radio Porteña, fue contratado como artista exclusivo en Radio Belgrano.

En 1942 se les unió el cantor Alfredo Rojas. Tenía una voz excelente, agradable, potente y con matices perfectos. Ese mismo año se firmó un contrato con Odeon, la primera grabación fue Fea.

La orquesta alcanzó su mayor popularidad en 1943. Hasta 1945 se grabaron 40 canciones, la gran mayoría cantadas por Rojas. Algunas canciones conocidas del 28 que escribió García fueron Esta noche de luna y el tango vals María Triniá.

Como director de una de las mejores orquestas de tango en términos de calidad artística, se retiró en 1950 y fue injustamente olvidado. Siguió siendo más conocido en Colombia y Chile.

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PIANISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1910-1992)

A mediados de la década de 1930, prevaleció la música internacional, lo que provocó que las orquestas de tango también tocaran otras músicas escandalosas. Con el regreso del tiempo de 2/4 con D’Arienzo, surgió un renovado resurgimiento.

Alfredo nació al sur de la capital Buenos Aires y estudió partituras y armonía en su juventud. Tocó en varios grupos entre ellos el de Anselmo Aieta en el que Juan d’Arienzo tocaba el violín.

En 1941 De Angelis debutó con su propia orquesta, centrada en la danza. Al manejar eficazmente el ritmo, respetar la melodía y resaltar al cantante, logró un tango pulcro y sencillo.

Alcanzó fama y popularidad, lanzando 486 canciones en el sello Odeon.

Con él cantaron buenos cantaores como Ruiz, Dante y Martel. Carlos Dante, que ya era un dedicado cantante de coro, se convirtió en su marca distintiva para la orquesta.

Alfredo fue el impulsor del dúo vocal, y destacó especialmente Dante-Martel con sus joyas Pregonera, Remolino y Pastora.

La orquesta de De Angelis no tenía el prestigio y la clase de orquestas como las de Troilo y Pugliese, pero fue un director de orquesta sincero, que se sumergió en el tango tradicional y que era entendido por el pueblo.
La prueba es la gran cantidad de grabaciones y éxito comercial.​

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PIANISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1905-1995)

Osvaldo Pugliese es considerado uno de los pioneros del tango moderno; sus composiciones determinan varias etapas de la música del tango. Provenía de una familia de músicos. Su padre trabajaba en una fábrica de zapatos y tocaba la flauta.

Osvaldo tocó en varios grupos desde los quince años (Firpo, Mafia, Laurenz, Caló). En 1939 logró formar un grupo con una sociedad cooperativa. Este grupo permaneció hasta su muerte en 1995. El bajista Rossi con su impulso rítmico, el bandoneonista Ruggiero y el violinista Camerano fueron importantes miembros de la orquesta que ayudaron a darle forma.

Pugliese se convirtió en la principal continuación del estilo De Caro, pero con un ritmo rítmico fuerte, muy atractivo para los bailarines, pero sin renunciar a la calidad. Los cantantes principales en las primeras grabaciones fueron Roberto Chanel con su sonido nasal y estilo compadrito, y en contraste Alberto Morán con su dramatismo, sensualidad, tono comedido (y atractivo sin igual para las mujeres).

Con composiciones de Pugliese como La Yumba (hubo disturbios en el estreno por la gran afluencia de público), Negracha y Malandraca, fue visto como pionero en el uso de la síncopa (movimiento del acento) y el contrapunto, antes que Salgán y Piazzolla. .

No debe dejar de mencionarse su creación a los 19 años, Recuerdo.

Pugliese estuvo regularmente en prisión como líder sindical de los músicos, donde tocaban con un clavel rojo en el piano. No afectó su popularidad.

Pugliese actuó regularmente en el extranjero, en los Países Bajos varias veces, incluida una actuación en Carré en 1989 con Piazzolla.

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BANDONEONISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1921–1992)

Europa fue reintroducida al tango en la década de 1970, principalmente a través de Piazzolla.

Astor vivió en Nueva York durante su juventud. A los ocho años recibió un bandoneón, aunque hubiera preferido patines. Astor quedó cautivado por Bach, que intentó tocar.

De regreso a Buenos Aires se profesionalizó en 1938. Astor trabajaba en los cabarets. Todas las noches se sentaba a escuchar a Aníbal Troilo y su orquesta; se unió a la orquesta.

Piazzolla aprendió nuevos sonidos y armonías a través de compositores clásicos como Bartók y Stravinsky. En 1944 Astor dejó la orquesta. Piazzolla fue ambicioso y desarrolló su propio estilo con nuevas formas armónicas.

Ganó una beca para París y fue aprendiz de Nadia Boulanger. Ella le aconsejó que creara algo nuevo a partir del tango.

Astor añadió batería y guitarra eléctrica, nació el tango nuevo. El público del tango también lo desaprobó y abandonó su tierra natal. El público quería tangos bailables.

En 1958 fundó un quinteto bajo el nombre de Jazz Tango, en el que combinaba clásicos del tango con música de jazz. Piazzolla lamentó este período por motivos artísticos.

Estaba actuando en Puerto Rico cuando murió su padre, siempre lo llamó Nonino. De regreso a Nueva York, “veía a su padre por todas partes”. Su familia se retiró a la cocina. Al principio todo estaba en silencio, luego lo escucharon tocar el piano, la melodía era muy triste.

Compuso Adiós Nonino.

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BANDONEONISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1918-2000)

Su orquesta tocaba un estilo clásico, sencillo y rítmico. Tenía el sabor de D’Arienzo y tuvo éxito. Nacido en Montevideo, inició su carrera como bandoneonista en la radio en 1938. Luego tocó en la orquesta Laurenz-Casella.

Con esta experiencia fundó su propia orquesta en 1948. Realizó giras por Uruguay y Brasil y, al igual que Canaro, se involucró en el teatro.

La mejor época fue de 1953 a 1960 con la cantante Nina Miranda (la mejor cantante de su país) y posteriormente con Olga Delgrossi.

Muchos cantantes han cantado con él. Racciatti contribuyó al tango bailable y popular, con sentido de comercio. A menudo fue contratado en Sudamérica y Japón y tocó en las principales ciudades de las provincias de Argentina.

Continuó tocando en el Cabaret Marabú, donde también actuaron Troilo y Di Sarli.

Compuso obras sencillas con melodías atractivas que atraían al público; los bailarines a menudo tarareaban mientras bailaban.

Un conocido éxito suyo (letra de Federico Silva) Hasta Siempre Amor también fue grabado por Di Sarli y D’Arienzo.

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VIOLISTA, LÍDER DE ORQUESTA (1912-1982)

Nacido cerca de Liniers, en el oeste de la ciudad de Buenos Aires, se formó en música antigua y se graduó como profesor de violín.

En 1931 dio un gran paso al incorporarse a la orquesta de Firpo como violinista, pero con Fresedo Sassone encontraría la manera de sentir el tango. Eso lo marcaría para siempre.

Poco a poco fue formando su propio estilo, una mezcla de Fresedo y Di Sarli, y consiguió algo que era completamente Florindo Sassone.

Cultivó un tango con marcada preferencia por la pureza y claridad de la línea melódica, enmarcada en un claro juego de fuentes sonoras, siempre agradables y con un cuidado diseño. A menudo podemos descubrir algunas adiciones de matices embellecidos, modernos alternados, un tanto ajenos a la estructura tradicional ortodoxa de las orquestas de tango.

Los solistas nunca ocuparon un lugar central, pero sí enfatizó una amplia gama de efectos y matices de las diferentes partes instrumentales.

Florindo formó su primera orquesta en 1935 con Alberto Amor como cantante. Debutó en 1936 en Radio Belgrano, para luego tocar en Radio el Mundo, donde ofrecía un espectáculo vespertino con una gran orquesta que incluía percusión, arpa y otros instrumentos exóticos.

En 1940 se retiró de sus actividades para dedicarse a asuntos personales. Pero en 1947 volvió a montar su orquesta y volvió con éxito a la radio y empezó a competir con los grandes nombres.

Regresó a los principales salones de Buenos Aires. Importante aquí fue el cantante Jorge Casal, quien sorprendió a su entorno con el brillo de su voz y su dinámica bien controlada. En aquella época una orquesta necesitaba un segundo cantante y nuevamente con una buena elección contrató a Roberto Chanel.

Pasaron los años, la televisión ya se había consolidado y Florindo fue uno de los primeros conductores en aparecer frente a las cámaras de televisión. En 1960 incluso tuvo un programa en el que desempeñó el papel protagónico.

En 1962 se volvió a montar la orquesta y en 1966 viajó a Japón para una gira de meses. En los años 1970 regresó a Japón y también actuó en Colombia y Venezuela.

Florindo Sassone no dejó una excelente obra como compositor, pero una canción de éxito es la milonga Baldosa floja.

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BANDONEONISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1899-1980)

Héctor creció en Avellaneda. Licenciado en contador, prefirió seguir su afición por el bandoneón, tomó lecciones y luego ingresó al conservatorio. Tiempo después tocó en la sección de bandoneones de Juan D’Arienzo.

En 1929, a la edad de 16 años, dejó la orquesta y luego tocó en varias otras orquestas, incluida la de radio, y acompañó a Tita Merello. Posteriormente se reincorporó a la orquesta de Juan D’Arienzo para las grabaciones realizadas para el sello Electra. En 1935 Enrique Santos Discépolo lo invitó a integrar su grupo que tocaba en Radio Municipal.

En 1939 formó su primera orquesta, apareció en la radio, pero no llegó a grabar. Tenía un estilo similar al de D’Arienzo, estilo elegido por jóvenes bailarines. Poco después fue convocado por Juan d’Arienzo, El Rey del Compás (el Rey de la Medida) y disolvió su grupo.

En 1940 ya era un bandoneonista reconocido y fue el bandoneón principal y arreglista de D’Arienzo durante los diez años que permanecería en su orquesta. Fueron años ricos en éxitos en la radio y en las salas de baile. La orquesta grabó veinte de sus composiciones, entre ellas Don Alfonso.

En 1950 volvió a formar su propia orquesta. El público y la crítica esperaban entonces el nacimiento de una nueva formación al viejo estilo de D’Arienzo, pero Varela sorprendió presentando un conjunto ajustado en ritmo y sonido absolutamente personal.
Se convirtió en un éxito abrumador. Fue transmitido en horario de radio central y fue contratado para tocar en el famoso cabaret Chantecler. Pero también trabajó en el mítico Marabú, en las salas de baile de casi todos los clubes y en el famoso programa de radio Glostora Tango Club.

El período de mayores ventas de sus discos fue con el dúo cantor Rodolfo Lesica y Argentino Ledesma.

Héctor Varela fue un músico criticado por los intérpretes innovadores, pero querido por los aficionados a la danza y al tango popular. Su mejor etapa artística tuvo lugar a principios de los años cincuenta. Posteriormente su orquesta, al igual que su maestro D’Arienzo, tomó una dirección comercial, debido al impresionante aumento de sus ventas de discos.

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PIANISTA, LÍDER DE ORQUESTA (1936)

Dirigió el grupo de tango más popular de Uruguay, después de Donato Racciatti. Durante su carrera se mantuvo fiel a un estilo tradicional y evocador, muy ligado al del maestro Roberto Firpo.

Nacido en Montevideo, desde muy joven se sintió tocado por el tango. Su carrera musical se vio impulsada por la docencia, fue catedrático de Historia de la Educación Musical y ejerció la docencia hasta su jubilación en 1993.

En 1952 formó su primer grupo de tango, que se presentó con éxito en salones de baile, recitales y televisión. En 1955 se incorporó a la orquesta de Agapios como pianista y, tras su muerte en 1959, volvió a fundar su propia orquesta (sexteto).

Durante la última actuación de Firpo en Uruguay en 1964, Roberto Firpo invitó a Miguel a tocar en su cuarteto y este último interpretó el tango El choclo. Después de escuchar su actuación, el maestro le dijo: “¡Muchacho, me estás robando todo!”.

Su discografía es impresionante: 60 LP, 18 casetes, 10 discos compactos.
Siempre ha realizado numerosas giras nacionales y extranjeras por todo el mundo, incluida la de 2001 con extraordinario éxito en Japón.

En 1976 recibió un LP de oro del sello londinense de Inglaterra debido al éxito de ventas de su grabación de De pura cepa.

Villasboas ha sido un artista tenaz y persistente en su lucha por evitar que el tango pierda el lugar que merece en la identidad cultural rioplatense.

Tocó junto a grandes estrellas como: Fresedo, Caló, d’Arienzo, Canaro y el cantante Castillo.

de culturele identiteit op de River Plate.

Hij speelde samen met grote sterren, zoals: Fresedo, Caló, d’Arienzo, Canaro en zanger Castillo.

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BANDONEONISTA, LÍDER DE ORQUESTA, COMPOSITOR (1958)

Carel tenía ocho años cuando se sentó al piano por primera vez. Unos años más tarde empezó a recibir lecciones. Él mismo dice que ciertamente no tenía un talento natural, pero tenía motivación.

A mediados de la década de 1970 quedó cautivado por la música folclórica irlandesa, escocesa e inglesa y aprendió a tocar la armónica y la concertina; Durante ese período comenzó a actuar con su hermano.

A principios de los ochenta, Carel entró en contacto con el bandoneón a través de un LP y fue alcanzado por él como un rayo.

Siguieron miles de horas escuchando tango argentino y miles de horas practicando para dominar su amado instrumento.

En 1987 llegó una llamada telefónica de Astor Piazzolla: si Carel quería actuar durante tres meses en Broadway en Tango Apasionado (1987).

En 1988 fundó el Sexteto Canyengue. Su ídolo Osvaldo Pugliese lo invitó a actuar con el sexteto en Buenos Aires. El sexteto tocó en países de todo el mundo.

Ya conocido internacionalmente, Carel se abrió paso entre el gran público de los Países Bajos en 2002 cuando interpretó Adiós Nonino en la boda de Willem Alexander y Máxima en presencia de Nelson Mandela, entre otros, y vista por 55 millones de personas en todo el mundo.

Además de su trabajo con su Ensemble (varios espectáculos), el Sexteto, el cuarteto y el dúo (con Juan Pablo Dobal), es solicitado como bandoneonista en todo el mundo con importantes orquestas.

En 2005, Kraayenhof recibió el alto premio cultural del gobierno argentino por su labor durante los últimos 20 años como embajador del tango argentino a nivel mundial.

Desde niño, Carel encontró en la música su gran pasión, cuarenta años después esta se ha convertido en un fuego vibrante e inextinguible.